工艺美术运动成就(6篇)
工艺美术运动成就篇1
西方手工艺术运动起源于19世纪后半叶英国的工艺美术运动。运动的理论指导是约翰·拉斯金（johnruskin），运动的主要成员是威廉·莫里斯（williammorris）、察尔斯·马金托什（charlesrenniemackiniosh）、c·f·a·沃塞（charlesfrancisannesleyvoysey）。这些成员看到工业革命后由于机械的滥用而造成对生活品质和工艺文化的破坏，倡导回归自然，强调材料使用的真实性和手工制作的重要性本文由http://收集整理，反对使用机械，从而形成了最早的西方手工艺术运动。该运动主张真正的艺术必须是美观而又实用的。他们看到，艺术家以及匠师的天下已经被工业化搞到了山穷水尽的地步，他们要为恢复某种质朴、美观以及技艺的标准而战斗。该运动的诞生与影响反映了人们在第一次工业革命后对于工业生产的疑虑，进而产生出向自然和中世纪手工艺制品回归的心理。虽然从现在看来，这场运动对于机械的排斥似乎比较盲目，也没有一个比较成功的结果，但是其为后来的当代手工艺术运动发展开启了源头。
西方手工艺术运动当代主导思想总的来说可以概括为工艺即艺术”一词，这个名词指涉后现代时期工艺材料被提升为艺术，以及某些设计家的地位晋升为艺术家。作为西方当代艺术多元化的一支，西方当代手工艺运动是在艺术与设计的双重背景下发展起来。在艺术发展方面，20世纪当代艺术进一步发展，1917年杜尚的小便池和自行车轮等现成品雕塑在挑战艺术概念的同时，也将艺术发展引向观念艺术的方向，这就使得艺术脱离工艺与材料的束缚而与手工艺渐行渐远。在设计发展方面，随着包豪斯的进一步发展，工业设计的威望与日俱增，这使得设计与手工技艺的观念也进一步分离。这样一个设计和艺术与手工艺分离的情景并不是手工艺衰落的表征，而是艺术与手工艺运动再次兴起的前奏。随着人类的生活环境被工业生产的庸俗工业复制品所占据和破坏，概念艺术以来的艺术面貌越发地让观众感觉到艺术的自大与空洞。这种情形下，在上个世纪50年代的美国，人们对于实际技巧塑造视觉形象的渴望促成了艺术与手工艺运动的再次兴起。这种脱离功能性的创作最早出现于20世纪50年代美国加州的陶艺家，进而启发了60与70年代从事玻璃与金属的创作者。
随着经济全球化时代的到来，人类的文化成果也已前所未有的速度在不同文化区域传递着。上世纪70年代末80年代初中国开始改革开放，西方当代艺术与手工艺运动作为多元化艺术现象的一部分传到了中国。
中国的手工艺的复兴就同时具备工艺美术运动”和西方当代手工艺术运动”的特征。就是说中国当代手工艺的复兴一方面反对工业化的粗制滥造，另一方面反对当代艺术的空洞以及现代工业设计的大批量复制。笔者认为只有从中国具体问题着手才有可能找到解决问题的方式。同时这些问题也构成了中国当代手工艺复兴的起点。
中国当代手工艺的复兴主要面临两个问题。首先，手工艺的市场逐渐萎缩。鸦片战争之后中国打开国门，大批量价格低廉的工业机械化生产的生活用品涌入中国，实用手工艺也迅速失去了其原有的市场。另一方面，随着辛亥革命的结束，手工艺也失去了封建皇室贵族对于手工艺的需求。就这样手工艺的市场逐渐缩小。只有高档手工艺品以仿古的形式一直延续到当代。
其次、手工艺的创作观念落后于时代，一直延续清代风格。诸葛铠先生归纳了三个原因我认为比较贴切。一是以父子师徒世代相继的传承方式，使技艺和风格逐渐走向程式化，一时难以扭转。二是近代文化转型的不平衡性，使传统手工艺无法迅速与时代靠拢。（这种不平衡性就是近代社会上出现的古今混杂、中西并举的现象）。三是高居于现实生活之上的高档工艺品，本来就是用以升值的藏品和玩物，以仿古为上品，自然可以无视社会变革。
中国近代手工艺所面临的问题逐步发展延续的同时，中国当代手工艺复兴的条件也在逐渐形成，
首先，中国当代手工艺的复兴离不开近代以来工业的持续发展。笔者认为工业与手工艺的关系并不是像第一次艺术与手工艺运动所宣扬的那样对立，也不似现代手工艺工厂生产所标明”的统一。二者应该对立的部分是手工艺中体现手工语言的那一部分，这一部分是制作者的思想感情通过手工工艺直接作用于材料，而形成机械制品无法表达的那一部分内容。
其次，由于工业的迅速发展，在中国也形成了人性的回归带来的手工艺需求。自上世纪80年代初中期开始，人们在吃穿的基本需求得到初步满足之后，消费需求开始转向了用的领域。随着人们对于生活质量要求的不断提高，在工业社会内部造就了一大批厌恶工业制品的手工艺簇拥者。
第三个条件是艺术多元化，打破了人们思想上的限制，
艺术表现形式开始逐渐丰富起来，以此为背景，新工艺观念开始兴起。在上个世纪70年代末中国的改革开放正式开始的时候，也正是西方70年代的多元主义复兴之时，它助长了后现代主义自身树冠状结构的蓬勃分杈，它包括：贫穷艺术、观念艺术、工艺即艺术、地景艺术等等”的时期，各种艺术观念也从此传入中国。此后，懂得历史且善于反思的中国人一定比较容易理解多元”的意义，不再教条地把写实主义作为评价艺术的标准。人们对于艺术也更加宽容，这种思想方面的解放为当代艺术形式的探索奠定了基础。
第四、中国传统工艺美术理论研究逐渐展开并取得了一些成果。笔者认为张道一先生工艺美术综合之美”的提出是针对中国工艺美术历史研究中的纯艺术和纯设计倾向开出的一剂良药，从而把工艺美术概念放在学术研究中比较正确的位置。
第五、现代工艺教育为中国手工艺的复兴提供了新的基础。就在中国手工艺复兴条件逐渐形成与完善的同时，当代工艺美术创作实践与教学的探索也在逐步开展。在工艺即艺术的理念传入中国之后，高等艺术院校成为新观念的传播者，而陶艺成为中国当代手工艺术的先锋，就像白明说的中国现代陶艺的发展严格来说是起源于70年代末和80年代初，中央工艺美院、景德镇陶瓷学院及广东陶瓷产区等院校和地区是这种风格的最早实践者和推动者”。这种新艺术观念首先在陶艺领域开始，笔者认为其原因应该有两个，首先，陶艺在中国具有雄厚的文化底蕴和工艺基础。其次，陶瓷工艺是传统工艺美术中相对比较容易上手，作品生成效率比较高的一种，从而进行艺术表达时也更直接。
工艺美术运动成就篇2
根据运河的流经区域，苏南运河区域包括镇江、常州、无锡、苏州，苏北运河区域包括徐州、宿迁、淮安、扬州。从目前现状来看，苏南与苏北运河沿岸的民间工艺美术发展水平的不均衡是显而易见的，亮点基本集中在苏南地区，长江以北仅有扬州被列入。而历史上苏南苏北民间工艺美术发展水平的差距并没有今天这样明显。扬州的民间工艺美术早在汉代就已名震八方，明代扬州艺人周翥首创了以金银珠宝、翡翠玛瑙、水晶玳瑁等高档材料雕成的山水、人物、花卉、亭台、翎毛嵌于檀犁漆器上的‘漆器镶嵌’工艺；扬州漆器是清代扬州两淮盐政的重要贡品，以清宫档案乾隆十五年（1750年）、三十六年（1771年）、五十四年（1789年）两淮盐政‘进单’所记为例，扬州向清王朝所供漆器，就有紫檀周制、螺钿镶嵌、雕漆、彩漆、填漆、洋漆、彩勾金等各种工艺漆器，其地位并不亚于当时的苏杭。
（一）区域文化、经济基础、发展理念上的差异
区域经济的发展易受区域文化中滞后因素的掣肘。近代工业的发展是苏北经济被苏南正式拉开的分水岭；而改革开放初期，对新形势、新观念接受程度上的差异，再次拉开了两地经济水平的距离，由此也影响和制约了对民间工艺美术发展理念的认知。苏北作为汉文化的发源地，地域性格雄豪大气，表现在日常生活中，讲究体面、排场、义气，但变通不够；造成经济形态一直以自然经济为主，观念相对封闭，眼界相对狭隘，竞争意识不强。表现在对民间工艺美术的影响上，市场推广意识不浓，缺乏吸取先进经验的魄力，创作观念陈旧，虽然在一定程度上继承了传统，但缺乏一种与时俱进的眼界，这种相对落后的观念成为苏北运河区域民间工艺美术发展的短板。苏南地区源远流长的吴文化，使苏南地区的人文思想中具有了非常深厚的中庸智慧和务实包容的市场竞争意识。这种开放的心态和思想带动了观念、文化等的不断创新，促进了经济的发展和生活的富足，也形成了收藏和投资艺术品的地域传统，大大带动了该区域民间工艺美术的发展。由于经济基础的雄厚，苏南民间工艺美术产品呈现出重材、重艺、重品的特点，在创作理念和产品品质上与苏北差异显著。
（二）市场价值重视程度的差异传统文化的影响
使苏北地区形成了“重农轻商”、“重义轻利”的地域观念，在民间工艺美术的创作上，虽然保留了传统的技法，但缺乏合乎当前需要的创新性探索，如邳州岔河镇良壁村王如坤的蓝印花布，制作技艺和程序传统，风格淳朴，但却迟迟打不开市场，其原因既与其工期较长、产量有限有关，更重要的是，在形式、题材等方面，相比较于技艺精美、形式多样的南通蓝印花布，差距一目了然。苏南运河沿岸自明清以来，即商贾云集，新兴的市民阶层对文化生活的需求不断增长，富商大贾们附庸风雅，以竞相收藏书画、文物为能事，书画作为商品获得了广泛的市场。艺术市场的蓬勃发展，促进了民间工艺美术创作观念和技巧的不断翻新，形成了苏南民间工艺美术精致、细腻、高品质等艺术特点，如苏州檀香扇以其高档的材质、复杂的工艺、独特的芳香一直为文人雅士华美精致的怀袖雅物。对于市场价值的重视程度是决定民间工艺美术存活与发展的关键，从二者的发展轨迹可见，苏南运河区域的适应和转换能力明显强于苏北，这与苏南深厚的区域文化积累有着密切的关系。
二、申遗成功后江苏段沿岸民间工艺美术发展思考
（一）发掘运河周边民间工艺美术的地域特色与功能地域特色的塑造
在苏南民间工艺美术的发展进程中已形成一定的基础，这首先取决于于苏南运河周边历史形成的坚实的经济基础，使民间工艺美术呈现出种类全、工艺精、功能多等特点。如常州木梳竹蓖,素有“宫梳名蓖”的美称，造型新巧，吃发均匀；其选材精良，多以百年老龄黄杨木或石楠为料；工艺复杂，要经过煮坯、劈齿、磨齿等二十八道工序制成。可见，民间工艺美术生存与发展必须是建立在艺术特色与实用功能兼具的基础之上，很多传统的民间工艺美术在当代语境下无法获得市场的认可，不仅是因为当今消费者审美需求发生了变化，工序冗长、功能单一、工艺粗糙等现实问题也是制约其发展的重要原因。
（二）加强民间工艺美术的准确定位
当前，民间工艺美术面临生存窘境是一个普遍现象，即使在苏南运河周边区域，也同样存在，一些具有悠久历史的民间工艺美术逐渐销声匿迹，且传承人技艺上与前辈相差甚远，需要很长时间的淬炼。对此，除了大力加强传承人的培养之外，还应加强对民间工艺美术的准确定位。民间工艺美术的生存空间应主动适应不同的文化生态。如历史上淮安手工业兴盛，被誉为淮安特产，有的还被列为贡品。这种状况的出现与淮安的地理位置有密切的关系，为了满足和适应漕运者、商人、官吏、士兵等的需要，当地酿酒业兴盛，由此带来了铜器制作的繁荣；由于人口流动性强，蒲草编织和木器业获得了发展，成为了当地独有的手工艺形式。明代扬州江千里制作的螺钿杯，精致细腻，广受文人雅士欢迎，有诗为赞：“螺钿妆成翡翠光，紫霞秋澈婺州香；形神俱美真通太，假寐仍期到梦乡。”此二例虽然久远，但说明一个问题，即只有根据市场需要所生产的产品才具有生命力。这需要当今的民间工艺美术从业者们顺时而变，从地域、市场和艺术特色进行调研和定位，找出合理的对接途径，而不应盲目模仿或创新，尤其要防止特色泛化。
（三）寻找苏南苏北民间工艺美术的互补性
苏南与苏北的民间工艺美术也可借鉴南北经济结构互补的经验和方法，实行产业联动，优胜劣汰，开拓创新，共同发展。但艺术风格上的互补不是折中，而是应汲取各自优秀的创作理念，推陈出新，拓展创作思路，达到适应市场，开拓市场的目的。徐州新沂草桥的大柳编文化，以原材料的天然性与手工制作相配，不仅展示出材质美，也体现出了技艺美。这种具实用功能，又具形式美感、材料原生态的工艺品，既符合当前正在倡导的生态设计理念，又展现出了民间工艺美术的文化情感性。苏南运河区域的民间工艺美术一贯强调技艺的细腻精致和材质的精美上品，散发出一种小众情感，但自然特性相对缺乏。当今的消费人群流动性特征明显，市场需求呈多样化趋势。是否可以在创作生产中有目的地对象化，通过材料、工艺的变化，降低原本高档的工艺品成本，从而使产品具有普适性；同时，在保持技艺、材质的前提下提高产品的自然性特征，使高档消费人群感受到天然醇香，这也许能作为民间工艺美术可持续性发展的途径。另外，极端重工重料的价值认识不应再成为创新的圭臬，应强调应时应世的艺术性和装饰性。苏南民间工艺美术历来强调对于材质的追求，但在当前高档材料来源匮乏、成本快速上涨的背景下，一味追求奢华名贵的材料和繁复多变的工艺技巧已不是普遍性的市场需求；而苏北人文情感浓郁的民间工艺美术产品却能唤起当前人们对田园乡土情调的向往，这种新的需求若能被有效利用，必将会成为一条合理的生存和发展途径。
（四）引入高校人文科学的研究资源
第一，引进高校研究人员与地方合作，建立江苏段运河周边民间工艺美术的文献资料库。江苏段运河沿岸的民间工艺美术形式存量丰富，目前，除了各地已经公布的非物质文化遗产名录和文化传承人之外，民间还散佚着众多的文化形式和艺人。当然，对于民间工艺美术的保护也不能面面俱到，需要进行细致筛选和系统归纳，将那些真正具有文化价值的文化种类纳入到保护和发展的程序中来，包括文字的、影像的、图形的、声音的、观念的档案。这对于江苏段运河周边民间工艺美术的保护和发展非常必要。第二，利用高校资源，针对某些领域进行专项研究，探讨其发展的可行性和在当下的文化适应性。江苏段运河沿岸的民间工艺美术种类丰富，做好文献资料库已是一件工作量浩大的工程，不可能事无巨细地对每一种文化形式或艺术品种作专门的研究，因而就必须从各种类的特点以及在当前环境下的文化价值等方面进行有针对性的立项和研究，尤其是对经济水平相对落后地区，如苏北的县一级区域文化应成为关注的重点。通过高校研究人员细致发掘和梳理，结合当下趋势，寻找发展对策，有助于使很多不适应当前文化语境的民间工艺美术种类焕发出新的生命力。第三，根据市场，高校与地方联手研发新的工艺美术种类。高校的特点在于研究能力强，但市场把握方面欠缺；而地方则熟悉市场，但缺乏专门专业的研究人员。因而，完全可以利用二者的互补性进行资源的整合。当前，很多工艺美术种类因不能完满地实现“文化适应”，处于萎缩和消亡的境地，但其中亦有很多工艺美术种类具有很强的艺术价值，只是因为理念、材料、技术等方面的不适应所致。对此，应组织高校研究人员根据市场进行针对性研究，进行技术上的提升，材料上的取代等，从而能使诸多民间工艺美术种类获得继续生存的可能。
（五）努力锻造民间工艺美术的地域文化产业链
工艺美术运动成就篇3
体育美学是研究人与体育运动的审美关系的科学。由于体育美的本质与体育的本质关系密切并受其制约，所以，在界定体育美的本质之前，应该对体育的本质作出科学的断定。
关于体育的本质归属问题，历来是我国体育界辩论的一个焦点，并形成了几种不同的认识流派，一直没能达成共识。随着体育科学的发展和我国“全民健身计划纲要”的实施，大家对体育本质的研究与认识正逐步趋于统一。体育是一种“增强体质，健全人体的教育活动”的本质界定已被广大体育工作者所接受。
体育的本质特点规定着体育美的本质特点和内容，也决定着体育美的欣赏和创造的方向。由于体育是以人为对象，以人体运动为表现形式的健身教育过程，那么，体育美的本质应该是人的本质力量在体育运动实践中的感性体现，它反映的是人与体育运动的审美关系。它不仅是一种抽象的概括，同时具有丰富可感的形式。它是体育运动实践的产物，既是审美主体，又是审美对象，离开了人，离开了人体运动，体育美也就不复存在了。
艺术美则是艺术家在社会生活中感受现实美的基础上，融人审美情感和审美理想，按照美的规律创造出来的，是美的理想化的形态。
艺术形象是主观和客观高度融和统一的产物，是感性的东西经过心灵化了的结果，是再现和表现的统一。从主观上看，艺术美是按照本人的审美理想，对已感受到的现实社会生活进行筛选和加工，再把个人的情感融人进去，从而使艺术美带主观性和表现性的特点。从客观上看，艺术美来源于人类的社会生活，是对现实中各种美的事物的真实反映和再现。因此，笔者认为，艺术美是艺术家在感受现实美的基础上，经过审美理想的过滤和情感融化，按照美的规律创造出来的，它集中体现在艺术作品的艺术形式中，反映着一定社会生活的某些本质方面，包含着一定的客观真理。因此，艺术美的本质应该是:人的审美意识的集中化了的物态化形态，是艺术家对现实生活的审美理解的感性体现.也是人的自由在艺术作品中的形象体现。
2体育美与艺术美的特征体现
事物的本质必然会由现象表现出来，从而构成审美属性，成为审美对象。体育美和艺术美的基本特征就明显反映出了各自本质现象的特征。
创造性是体育美与艺术美所共有的一种特征，但它与体育美有着更加特殊的意义。因为体育运动的创造是实践的直接产物，而不像艺术作品那样带有艺术家主观精神的外射。体育美一旦创造出来，就能与社会的进步和体育运动的发展相适应，反映出一种积极、进步和肯定的趋势。另外，体育的创造主体即是创造者，又是审美对象;即主体、客体都是运动者本人。这与艺术美的创造特征有明显区别。
形象性是体育美的又一特征。虽然艺术美也讲究形象性，但体育美的形象性主要是由人体表现出来的。在体育实践中，人体通过不同形式的运动，以匀称的体型、健美的肌肉，正确的姿态充分展示出体育美深厚的内涵。如:一套刚劲有力的健美操;一套优美双逸的自由体操;足球守门员一次飞身跃起扑球的空间造型;跳高运动员腾身过杆的英姿，这些具体生活并富有感染力的形象充分显示了人的本质力量。
体育美具有变易性和易逝性的特点。它受时空的局限，它始终处在不同的时空中，不可能被人们自由地观赏。如跳水运动员一连串高难动作转眼即逝，留给人们的是瞬间之美和极大的振奋。艺术美则能把现实美和人们的审美意识凝固在艺术作品中，使不同年代和不同地域的人都能够欣赏它。如:许多古代的优秀绘画和音乐及雕刻艺术作品，至今仍能带给我们艺术上的享受，它们并没有因时代的变迁而失去其审美价值，这反映出了艺术美具有永久魅力的特征。
艺术美的另一个特征是典型化，也就是说，艺术美是艺术家审美创造的产物，虽来源于现实美，但高于现实美;它集中和概括了现实美，从而表现出更加深刻的思想内容和感人的力量。
另外，艺术家在创造艺术美的时候.不仅真实地再现了现实中的美，并在集中现实美的基础上进行加工和改造，融人了个人的审美情趣和审美理想，所以，理想化是艺术美的又一主要特征，这与体育美有着根本的区别。
3体育美与艺术美的关系确认
3.1同出一源，相互联系
无论体育美或艺术美，探索其根源，都离不开人类社会实践和物质生产劳动。马克思主义美学观认为，美既不是人的主观精神意识的产物，也不是纯自然进化的结果，美是人类社会实践改造客观世界的产物。从摆脱自然生产开始，人类社会就朝着物质生产实践和精神生产实践两个方向发展，并具有审美属性。在古代宗教礼仪中形成的原始艺术和体育萌芽，二者之间是没有区分的，甚至在很长一段时间里，劳动与体育、舞蹈、音乐之间没有界限。随着人类社会实践活动的发展和劳动生产的发展，体育和艺术才随着社会分工而分离，并逐步发展成为相对独立的社会活动形式。
纵观历史，体育与艺术有过密切的联系和结合。古希腊奥运会的竞技场，为艺术家的创美活动提供了源泉，并由此创作出了许多流传百世的艺术珍品，如:《掷铁饼者》、(短跑者》等力与美、雄与健、韵与律融合的英雄形象。而艺术发展的规律，艺术的技巧、风格的演变，又为体育美的创造和欣赏提供了丰富的营养，从而进一步发展了体育审美的价值。今天，在现代体育运动中，许多项目对艺术性的要求越来越高，如:竞技体操、艺术体操、健美操、跳水、花样游泳、花样滑冰、技巧、武术等。所以，正确地借鉴艺术，深人了解艺术，不断加强艺术修养，对现代体育创美活动意义重大。
3.2本质迥然，不可替代
体育美是现实美，存在于现实生活领域，是现实生活的一部分。艺术美则是艺术家对生活的审美情感、理想与生活美丑特性在艺术形象中的融合，存在于艺术领域。体育美是人的全面本质的感性显现，是内体和精神，体力和脑力的全部功能的外显和确证。这与艺术美的审美意识物态化、精神本质对象化截然不同。
工艺美术运动成就篇4
【关键词】线条形式美真实性个性
达·芬奇说，最初的画是怎样产生的？——最初的画只有一条线，这就是墙壁上包围着太阳投下的人影的线。①笼统地说，世界上凡是看得见的事物的基本构成都是线，哪怕是一滴水、一团火，从人的视觉和心理认识经验来说都是线型的。直线和曲线组成这些物的基本形态，两条弧线构成一弯明月，几条直线组合成桌子椅子。水塘边摇摆的垂柳、泛起的水纹，自然界中这种由人主观认识的线条处处存在，它们构成面，形成体。而由这自然万物生成的艺术，也正是通过一根根线条描绘而成，展现艺术家所感知的社会生活进而传情达意。
一、线条的艺术特性
1.线条艺术的产生
线条的使用似乎开始于记事符号，与先人的巫术活动、图腾崇拜等有关。从原始岩画、地画、壁画等原始艺术中，可以看到艺术的产生一开始就来源于一笔一画中的线。由此，从人类创造文字（如象形文字）、产生艺术开始，就与线结下了不解之缘。人类最早的原始绘画以及儿童最初的涂鸦往往都是用简单的线条来表达认识和情感。儿童最初的绘画活动完全是受生理的本能控制和支配，是一种与生俱来的本能。可以说人类对于线的运用，用线条来描画自然界的事物，是人类最早具有的一种自然特征。史前的美术被史学家喻为“人类的儿童时期”不无道理。线条一开始就成为人类掌握的最原始的艺术形式，用来释放情感和进行交流。从新旧石器时代的陶器器皿和各种纹饰中可以看出人类对于线条的掌握愈来愈成熟。
2.线条美体现审美共性
人类最初运用线在平面上塑造形象，点、线、面构成了绘画创作的三大基本元素。点是最基本的元素，点的延伸运动产生线，面则是线在平面上的空间分割。其中线处于极其重要的媒介中心位置。作为最基本的构成元素，线在中国书法中的运用可谓淋漓尽致。线条的刚柔长短，笔画的粗细异同，横竖的曲直，笔锋的显隐，运笔的迟急，提按的轻重，构成不同的节奏和旋律。线条也是中国画的主要造型形式，中国画通过笔墨写千山万水、虫鱼鸟兽、人物花鸟。用笔即用线，中国画线条有着方圆粗细、曲直动静各种描法，特别是皴法的外观形式，从中体现出丰富的音乐节奏与韵律，多样与统一的抒情性和艺术再创造性的内在本质。
线的运用与表达体现着超越国界和文化的融合，通过线体现了艺术之间共有的韵律和节奏。不同于绘画中直接用线来造型，在雕塑、工艺美术和建筑艺术中线条所体现的韵律美皆是如此。在音乐方面线也具有非常丰富的表现手段，与绘画中所表现的完全一样，线在这里也起到了时间和空间的作用。②乐器也具有线的性质，音的高低可以用线的宽度来表示。从音乐中的五线谱和音律节奏到舞蹈中人体艺术所展现的线条美，正是通过线条的音乐性和所表现的韵律节奏展现了艺术之间的相通。
二、线的形式美在艺术中的运用
1.线条的独立美
线有长短、粗细、弯曲之分，形态各异的线通过排列组合成造型各异的万物。艺术中线条的形式美感是从各种自然形式中抽取提炼出普通的特征与规律，以自然形式的原型作为蓝本进行艺术上的加工处理。不同的线能使我们产生不同的视觉感受和心理反应。譬如直线给人以肯定的感觉，曲线则产生波动与活泼的感觉，竖线有庄严崇高静穆之感，横线有安适稳定之感，波状线有飘逸之感。贝尔说艺术是“有意味的形式”，线条的形式美感成为这“有意味的形式”中的重点。在中国画中，白描线条独立美的价值是画中的骨干。
线条的形式美感体现在它的曲直的对比效果中，譬如鸟巢的外观以流线为轮廓，线条的优美与馆壁钢架的材质相对比，而与之相隔不远的水立方以挺拔的直线构成基本轮廓，与鸟巢的流线型外观形成鲜明的对比。此外，线的比例与结构还能体现黄金分割产生美的线形。埃及的金字塔就是最美的线条结构。生动的线形同样在工艺美术和工业设计中得到了充分的利用和重视。
2.线条的技法运用
线条本身具有独立的形式美，掌握美的形式法则和技巧才能更好地利用线条增强艺术的感染力。线是点运动的轨迹，通过线的运动体现节奏、表达时间，线的布局形成空间，线的不同方向具有不同的色彩基调，线的曲直、刚柔有丰富的表情性，这些特征都是通过技法在艺术中得到充分利用。贝德特说：“线条开始进而被用来描绘亮度、空间和空气。”③在艺术中运用线条的关键，就是善于用线条处理各种关系，来真实准确地表现对象和情感。通过线条的长短、粗细来表现形体的比例，通过线、面的转折来表现体积，通过明暗深浅来形成虚实空间，作为绘画的基础语言，线条可以用来表达结构、体积、明暗、层次、空间以达到塑造形象的目的。
线条的运用在中西方艺术中都得到了完美的体现。中国画中有各种皴法和十八描。传统素描中，完全利用线条作为创造形象的工具。达·芬奇认为绘画应是最大程度地使画面呈现出凹凸感，素描上的凹凸感就是靠光影与明暗来表现。他主张在明暗处理中采取逐步过渡的手法，切忌有截然的分界，这样才使画面产生丰富的层次。而获得明暗凹凸感的方法是用阴线条，或者是用轮廓线，线条是按被表现形状的结构面画出来，用网状线条组织列在上面，体现出立体感。这些体现了线条在艺术运用中的科学性。
三、线条传情达意中的真实性与个性
工艺美术运动成就篇5
【关键词】传统工艺美术现代设计区别共性
传统工艺美术是我国劳动人民为了满足自己的精神需求和物质需求，在不同的历史时期用自身的工艺技术对各种不同物质材料进行加工，所创造出来的人工造物的统称。传统工艺是我国民族造型艺术史上重要一部分，不仅具有工艺美术的本质特征，还向外界展示了中华民族所具有的鲜明特色。工艺美术在形式和内涵上始终保持着审美价值和使用价值于一身，其高超的工艺技术、鲜明的特色风格、丰富多样的艺术形式，为我国民族文化发展谱写了灿烂的徽章。
现代设计是指工业革命以后，具有审美性和功能性的设计活动。现代设计的最终目标就是设计出审美性与功能性于一身的设计作品。人类史上的设计发展可以追溯到制造出的第一件产品。但是现代设计真正开始是在工业革命之后，新文化、新思想的出现，推动着现代设计的蓬勃发展。荷兰风格派运动、构成主义运动以及包豪斯设计学院的设计运动等，都是推动现代设计产生的有利源泉。
中国传统工艺美术与现代设计之间既有区别又有共性。中国传统的工艺美术有着5000多年的悠久历史，吸收了传统文化中的内涵与精髓。而现代设计的产生更多地受到工业革命以后新思想和新文化的带动，体现的是新时代的精神与文化。现代设计离不开传统工艺文化，传统工艺文化业需要现代设计理论支撑。本文主要从传统工艺美术与现代设计之间的关系进行深入分析，论述了二者之间的关系以及如何处理好二者之间的关系。
一、传统工艺美术与现代设计之间的区别与共性
从传统工艺美术与现代设计的区别来看，首先，中国传统工艺美术注重的是功能美，而现代设计则注重技艺美；传统工艺美术主要针对的是手工艺制品，现代设计主要针对的是工艺产品；传统工艺美术体现的事人文思想，现代艺术设计体现的设计理念。如果说传统工艺美术是艺术与技术的融合，那么现代设计就是艺术与科学的结合。其次，传统工艺美术的内容囊括了服装、染织、装潢、陶艺等工艺，而现代设计囊括了工业设计、平面广告设计、室内设计、包装设计等。再次，传统工艺美术针对的是一些手工艺制品，而现代设计生产的是工业产品。前者传达的是人文思想，后者传达的是现代设计理念。
从传统工艺美术与现代设计的共性来看，首先，无论是传统工艺美术还是现代设计，二者在平面构成上有一致的形式法则。例如对比、夸张、象征等，这些都是二者平面构成上的基本理念。其次，二者在色彩构成方面也有着很大的相似，都遵循色调、透明度、纯度、色彩混合、色彩冷暖等用色规律进行，内容的研究和作品的用色都保持一致。再次，中国传统工艺美术中的技艺手法与现代设计中的立体构成设计手法，都是在研究三维空间中如何进行立体造型的。二者都是按照一定的造型原则赋予立体形态的美感，都是将一个形体分割成组合形体抑或将组合形体分割成单个形体。我们知道，任何一种物质形态都可以还原到点、线、面。相反，点、线、面又可以组合成任何形体。
二、如何处理传统工艺美术与现代设计的关系
传统工艺美术与现代设计是相互存在、相互促进的，二者既有区别又有共性，正确处理好二者之间的关系，对我们发扬传统工艺美术以及当代设计发展有着非常重要的意义。
当代设计发展要立足于现代设计基础之上，同时更要加强对传统工艺美术文化的传承和保护。应将悠久的传统文化内涵与现代生活方式、审美观念融合起来，推陈出新、贯穿古今。传统的工艺美术史历史文化的积淀，是取之不尽用之不竭的文化宝库，能够提高我们的修养开阔我们的视野，同时也为现代设计发展提供了丰富的创造源泉。
现代设计是工业革命之后产生的，带有浓厚的西方观念思想，这往往会对传统的工艺美术带来一种冲击。有人认为艺术设计就应该需要脱离传统的工艺美术，这是一种偏颇的观点和看法。现代设计在设计的过程中，会受到人为的思想和情感的影响，需要设计者运用一定的思维创造能力进行分析和设计，并将自身的设计理念和内心的情感驾驭到设计作品之上，体现现代设计的发展走向。现代艺术设计的发展并不是对传统工艺美术的否定，而传统工艺美术的文化思想也不会因为现代设计的产生而消亡。相反，二者正在逐渐走向共同发展的道路。张道一先生就曾说过：“有人将传统工艺与现代设计对立起来，评定是非，我看是不必的。”当我们清楚地认识到传统工艺美术与现代设计之间的关系以后，我们自然而然就不会将二者进行对立，评定它们之间的是非，而是应该将传统工艺美术与现代设计合理的融合起来。传统工艺美术需要现代设计带动，现代设计则需要吸收传统工艺美术的精髓，科学、合理的认清楚二者之间的区别于共性，这将有助于我们更好地发扬传统工艺美术、发展现代设计。
结语
纵观所述，传统工艺美术需要现代设计理念的支撑，而现代设计业需要传统工艺美术文化的熏陶。当代设计应该充分体会到传统工艺美术以人为本的内涵，吸收5000多年传统文化的精髓，将传统文化中的功能美和装饰美融入到当代艺术设计中，使我们的设计作品更加能够突出文化艺术气息。
参考文献：
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工艺美术运动成就篇6
现代空间艺术讲究空间布局的合理性与美观性，要求艺术品给人以较强的空间上的艺术美感。在设计园林时，要将园林当做一件独特的艺术品，从整体上把握好园林的空间构造，注重园林中个空间的相互融合，把握好园林各部分的节奏和韵律。此外，城市园林注重对环境的提炼，通过缜密的建构构成，在小的空间内抒发大的空间表达，通过空间的感知，来进行园林语言的翻译，实现人与环境的沟通。园林巧于因借，精在体宜”、借者虽别内外，得景则无拘远近”，就体现了通过借景有效运用园林空间，营造良好的空间环境。
2现代空间流动设计对园林设计理念的影响
流动空间的目标是把空间视为一种积极流动而非消极静止地存在，创造出流动性的空间视觉感受，给空间以力量性的美感。现代空间流动设计要求空间设计，避免孤立静止地存在组合，并追求连续性的运动空间。通过采用象征性的分隔，使得设计空间在水平和垂直方向上都保持一定的交融性和连续性。为了增强空间的流动感，艺术家们往往借助流畅的、极富动态的、有方向引导性的线条，来达到其设计的最终目的。著名设计师密斯所设计的巴塞罗那德国馆就体现了对流动空间理论的有效运用。园林设计向来讲究动静结合，而多元的时代对于园林空间的动态感官体验也有一定的要求。因此，在园林设计时，要将流动空间理念引入，采用多种手法，创造出流动的园林感官体验。例如：可以有效安排树木、亭台与水流湖泊等，营造动态的环境，给人以动静协调的美感。事实上，中国古典园林构景就很讲究运用动静的方法，将山水园林的水面布局在全园中部，水面的倒影与岸上的景色虚实结合所构成的美景，只有在对岸才是最佳观景位置，于是环水的景致自然就形成彼此的对景。
3现代雕塑艺术在园林植物雕塑中的应用
现在，不少城市园林设计会通过对植物进行修剪创造出美的形状，给人以美的感受，这实际上是下年代雕塑艺术在城市园林设计中的有效运用。看过电影《剪刀手爱德华》的人，无不对男主角爱德华那双妙手的修建能力和创造能力惊叹，他的妙手可以修正出那么漂亮可爱的植物，创造出艺术感十足的植物雕塑，给人以强烈的美感，确实令人钦佩。人们对园林雕塑方法在城市园林中的运用并不陌生，只是，在设计园林时，植物雕塑的运用也要拿捏正确。植物雕塑不仅要考虑园林的整体风格，还要讲究韵律与意境。植物雕塑的运用直接影响着园林的意境，造园的意境是一个审美的较高层面，例如园林所能折射出的社会思潮，人们的审美取向，能带给人们的情操的陶冶，能通过观赏园林景观引起游客的情怀抒发等都属于意境美的范畴。
4现代绘画艺术在园林色彩设计中的应用
对于美术和绘画艺术而言，色彩是一种艺术性的语言，是表达艺术思想的工具。绘画艺术是忠实于客观物象的自然形态，对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式。它具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化，突出和夸张其本质因素。在园林设计中，引入绘画艺术的相关改建，就是要有效做好城市园林中的色彩设计。园林作为设计对象和艺术品式的存在，是对自然景观的典型化。将引入绘画艺术理念和创作方法引入城市园林设计，符合园林色彩设计的要求。园林景观色彩组成包括自然色、半自然色和人工色。自然色在园林景观中表现为天空、石材、水体、植物的色彩。半自然色是指人工加工过但不改变自然物质性质的色彩，在园林景观中表现为人工加工过的各种石材、木材和金属的色彩。人工色是通过各种人工技术手段生产出来的颜色，在园林景观中表现为各种材料和色彩的瓷砖、玻璃、各种涂料的色彩。园林景观的色彩设计要考虑园林的整体性，同时要确保园林的绿色基调，此外注重对点缀色彩的运用。在园林的景观效果的设计中，景观关键部位的点缀有时能起到画龙点睛的作用，为景观的展示效果带来很大的突破。
5结语