绘画技巧知识点总结(6篇)
绘画技巧知识点总结篇1
关键词:初中美术;素描教学;技巧分析;
在古汉语当中，素指一种颜色，而描是临摹的意思，素描就是用一种颜色临摹事物。在现代汉语中，素描指单纯用线条速写、不加色彩的画。作为绘画的基础，素描体现着绘画者的所看和所想。初中生正处于身心快速发展的时期，在这一特殊时期中，他们既有儿童的特点，又具备青少年的特征。这就要求教师在教学过程中充分尊重学生的学习主体地位，一方面要防止学生出现逆反心理，另一方面要提高教育教学的质量。因此，初中教学是教育界共同关注的话题。初中美术课程能够很好地满足当前我国对学生德、智、体、美、劳全面发展的要求。作为初中阶段的基础课程，美术不仅要让学生掌握一定的绘画技巧，而且要有效培养学生的艺术素养。因此，教师要重视美术教学，为学生打好美术基础。初中美术和小学美术相比，学习难度更大，形成了一定的体系。其不仅可以培养学生的学习兴趣，而且可以让学生掌握一定的绘画技巧，注重培养学生的创造力和绘画能力。素描是绘画的基础，教师在教学过程中要将其作为教学的重点，通过素描让学生掌握光影的处理技巧和线描的绘画方式[1]。基于素描在美术课程中的重要地位，文章分析初中美术素描教学技巧，希望能够为广大注重美术教师开展有效教学提供参考。
一、初中美术素描教学存在的问题
1.重视程度不高
在原先应试教育的大背景下，部分学校更注重应试考试科目的教学，对于美术教学不够重视。学校的教学资源和教学创新也倾向于应试考试科目，美术教师的教学质量难以得到保证，往往依靠教师自身的自觉性，导致部分教师在教学过程中积极性不高。部分教师很少拓展与美术相关的课外知识，教学时照本宣科，除了播放教学视频，就是让学
二、素描写生训练技巧分析
1.人物素描
在七年级上册美术教材《多彩的校园生活》一课中，教材要求学生通过实地观察，用相机拍摄周围学生的照片，通过分析不同学生的脸型、表情和发饰特征，掌握人物素描的方法。首先，部分学生第一次接触素描，因此教师在开展人物素描教学时，要培养学生观察人物特征和酝酿自身绘画情绪的习惯。教师要让学生学会依据绘画对象的气质、五官等，考虑应该如何展现其特征。学生先在脑海中形成最终的绘画成果，做到胸有成竹，下笔绘画时才能够做到流畅，切忌仓促作画。
其次，加强构图环节。在这个环节中，教师要引导学生注意人物在图中的位置是否合适，考虑是否要在人物前方留白，这是决定整幅人物素描在观感上是否舒服的关键。完成构图之后，学生要通过对整体的观察，结合运用辅助线的方式，确定绘画对象在图纸中的大致位置，勾勒出雏形，确定基本的人物脸部轮廓形象。这一过程与剪纸艺术类似，剪纸艺人将剪纸对象沿外轮廓剪下，尽管没有细化内部的结构，但是人们依然能够确定其对象是何物。
最后，确定人物脸部“三庭五眼”比例关系，在绘画过程当中不断调整细节，强调明暗交界线是决定头部深度和体积的关键。根据绘画对象的容貌特征，可以先决定颧骨的交界线。尽管和其他地方相比，颧骨的受光不是很明显，但是要尽量保持其与暗部之间的对称。教师要让学生观察整个人物肖像中哪一个特征最明显，以此为切入点，从眉眼颧骨处开始，抓住人物面部的特征对其进行描绘，并切忌反复刻画，避免画面出现不协调的关系。学生可以根据绘画对象的特征，安排绘画的顺序。如，有些学生面部的颧骨比较突出，有些学生的眼睛比较有神……学生可以以此为基础，将其列为首要描绘对象，将其他的部分作为次要描绘对象。
除步骤要科学外，还需要加强人物头像素描的细节描绘。如头发的表现，虽然中国人的头发的固有色是黑色，但这种黑色不是漆黑一片，同样有明暗对比。附着于颅骨上的头发，要依照颅骨的形状考虑其结构。在绘画中，学生要注意将头发的蓬松感表现出来，让头发富有质感。教师可以让学生借助卫生纸擦拭画中的头发，营造一种虚的状态，让头发呈现出松弛的感觉，避免死板。
总之，教师要引导学生正确认知一幅画的好坏并不在于对某一处细节的刻画，而是画作的整体感和完整感。因此，在人物素描中，教师要让学生抓住主要矛盾，由主要矛盾决定次要矛盾，从而使整个画面层次分明。教师要让学生循序渐进地描绘对象，从最突出处带动次明部。在刻画眼部时，学生要注意眼轮匝肌之间的关系，画嘴时考虑到口轮匝肌之间的关系，画鼻时考虑到鼻骨、鼻翼和脸颊之间的关系……此外，还要考虑这些五官在整个面部的比例关系。在绘画时，对于每一处细节的刻画，学生都要结合整体考虑，分清主次。在调整阶段，除了要画得逼真，还要注意形神兼备，突出人物的性格和情绪。因此，在练习的过程当中，教师要让学生多开展人物眉、眼、嘴和情绪变化上的练习，避免公式化、概念化的机械式描绘，从而让肖像画变得更加生动自然[2]。
2.风景素描
在《美丽的校园》一课中，教材要求通过了解取景、构图、透视的知识，让学生学会素描写生的方法，尤其是对线条的表现。在景物写生时，学生容易出现生搬硬套、不分主次等问题，画面显得生硬呆板，缺乏空间感和层次感。
(1）取景是风景素描成功的关键
风景写生和人物写生不同，最关键的绘画技巧在于取景，取景如何将直接影响到后续的构图和表现手法。初中生由于刚刚接触素描，因此在取景上往往无从下手，这就需要教师除了要注重相关技法的教学，还要培养学生发现美的能力，让学生能够寻找到适合表现的景物。取景并不是让学生将景物完全“搬”到纸上，而是要对其进行进一步处理，也就是构图。取景构图可以借助取景框。学生在风景写生中容易照搬景物，导致构图组织结构不明。因此，教师要让学生明确风景写生的主体，将其置于前景或中景的位置；远景作为烘托，只是次要描绘的部分；同时，注重前后之间的空间性。在风景素描中，空间感需要依赖远、中、近景之间的关系体现，这一环节往往也是本节课的知识难点和重点。
(2）线条是风景素描最重要的表达方法
写生课课时有限，以线为主、明暗为辅的风景素描既能节约学生的作画时间，又能体现线条的神韵。教师要向学生强调线条之间的疏密变化，让其形成疏密有致的黑白关系，以突出画面中主次、虚实、前后的关系。在一幅风景画中，景物的疏密、大小、位置以及明暗关系，都要达到良好的平衡，一旦分配不均，就会形成视觉上的失衡。优秀的风景写生不仅要画面丰富，而且在整体上要做到统一。因此，在刻画细节的同时，学生要联系整体，让整体中有细节，在细节中有整体。风景素描并不仅仅只有静，也要突出动的因素，处理好动静之间的关系，才能让风景素描显得更有生机。风景素描经常以线为主要的表现方式，因此，对线的运用就显得尤为重要。线描相对于其他绘画手段来说更加简单有力。教师要让学生用线条表现景色之间的比例和姿态，以线造型，用简单的线条表现景物的轮廓、体积和彼此之间的明暗关系。通过线条的合理组织，学生能够表现出景物的氛围和画面的结构，体现出画面中色调和明暗之间的过渡与对比关系，体现出光影、体积、空间、透视等要素。教师要指导学生抓住景物的组织关系和空间结构，正确处理线条的排列方向和疏密程度，让线条有组织地形成明暗关系和疏密对比。没有组织的线条，只会让画面显得杂乱无章。学生根据不同景物的描绘需求，让线条之间形成疏密对比、粗细对比、刚柔对比、节奏对比，可以让景物呈现出丰富的质感。线的对比要从整体的结构入手，避免刻意营造，造成画面比例失调。线条并不仅仅是一种绘画技术，同时也体现出绘画者的艺术修养、趣味等。线条的表现是绘画者情感表达的一种方式，因此，教师要引导学生体会线条的力度和节奏，通过不同线条的变化，让整体画面有更强的情感表达。教师可以鼓励学生探索不同的绘画工具，了解工具的特色，熟悉每一种工具的使用方式，发挥出个人的创造力，形成具有个人特色的线条语言，从而在绘画中体现出独特的绘画个性。
结语
素描已经渗透初中美术教材的多个领域，是其他美术门类的基础，也是提高学生美术素养的有效手段，能够培养学生的审美能力和表现能力，提高学生的绘画水平。素描训练不是一蹴而就的事情，教师要深刻认识到素描对于美术的作用和意义，不仅要注重技术的教学，而且要重视艺术素养的培养，让学生体验到美术创作的乐趣，激发学生的学习兴趣，从而提高其美术水平和艺术素养。
参考文献
[1]裴志刚.谈谈初中美术教学中的素描教学[J].考试周刊。2013(19):174.
[2]罗慧娟初中美术教学中素描写生训练技巧解析[J]美术教育研究。2016(18)-:163.生临摹作品，对于学生绘画能力的要求不高，整个教学过程比较随意。这对学生的素描认知造成了一定的阻碍，特别是对于初次接触素描的学生来说，不利于其学习和掌握相关的素描知识。
2.缺乏正确的认知
由于部分学校和教师对于美术教学的忽视，一些学生对于美术学习不够重视，在课堂上不注意听讲，随意完成美术作业。一些学生虽然对美术学习热情比较高，学习态度比较认真，但是由于其基础知识比较薄弱，缺乏教师的正确引导，学习成效并不理想。在美术教学过程当中，学生的态度也会影响部分教师教学的积极性，再加上学校安排给美术课程的课时比较少，所以美术教师和学生之间的交流沟通机会也比较少，学生难以体验到美术学习的乐趣，因此学习热情不高，美术教学的美育作用难以体现出来。
绘画技巧知识点总结篇2
学虽无定法，但学毕竟有法，画画更是如此，画理和技法尤为突出。画理是在创作实践中总结出来的，它包含着反复实践、除旧变新的艰苦过程，一条画理需要理解，更需要在实践中运用。若不在实践中认识画理，是很难心领神会并运用自如的。我们在教学中要特别注意这一点，要特别体现一个过程，既要让学生认识到新的，又要让学生敢于否定旧的，日积月累，逐渐丰富学生的艺术技能。
二、循序渐进，水到渠成
在教学上，采取由易到难、由简到繁、由浅入深的教学方式，先让学生从一枝花、一只鸟画起，然后再画一簇化、数只鸟，这种教学进程上的循序渐进使学生每走一步都是一个更新，既有利于他们对技巧的把握，又增添了他们的学习兴趣；既使他们塑造形象的基本功扎实，又相应地练习了笔墨的使用，促进他们积累技巧。当基本知识和基本技能达到一定程度后，学生便可以整幅地作画了。
三、明确培养目标，有的放矢
因材施教是中国传统的教学经验，不仅适用于高等院校，对技术院校也十分适用。
技术际校培养人才的目标就是使他们掌握一门技术。这就要求在教学生时要着重基本功的训练，主要训练他们的画技，因此，要找到切实可行的途径或手段，提高学生的画技，让学生在最短的时间内掌握最出色的技能。所谓“熟能生巧”，要指导学生勤于动手，加强训练，只有多练，才能具有纯熟的技巧和技艺。
不仅如此，我们在注意提高学生实践技能的同时，要适当地教授理论知识，不过在这方面，它同纯美术有明显的区别。纯艺术院校的学生，不仅要学习画理、画技，训练基本功与创造能力，更重要的是要有相当广泛的爱好，掌握必要的文学、史学、哲学、自然科学知识。真正的艺术人才，不仅应该具有娴熟的技艺，更要有高深的文化修养。教学上必须有的放矢，才能取得事半功倍的教学效果。
(一)要让学生明白写意花鸟画的基本特征
只有了解事物的本质特征，才能表现事物的本质特征，尽管写意画是写意境，但不体现本质的东西是苍白无力的。这就要求学生掌握事物的特征，尽量最大程度地概括出事物的本质，这也是写意画主要的重要的要求。
(二)要在学习中知晓写意花鸟画的要素
不知其要领而为之的做法，不论做什么事都不会成功。画画也是如此，在写意花鸟画的学习中，明白其要素相当重要。因为中国画从工笔到写意是经过一定的发展过程的，了解了写意画的要素就等于了解子写意画的发展脉络。从工整的勾填法、没骨法、兼工带写法到写意画法，是人们由对自然界的客观表现，向着对主观世界、人的情怀意向的表现的发展和提高。不仅如此，写意花鸟画也同样注重笔墨、笔锋、笔迹的表现，强化笔墨在运转流动中所自然体现出来的韵致，同时，还吸收了书法的用笔，融书画为一体。在形象刻画上重提炼、重神韵意向，形成自身的特点，文人画的“诗中有画、画中有诗”，就是对写意画要素的总体概括，即“诗情画意”。
(三)要培养学生写意画的技巧
写意画的技巧是不拘一格的。为了直抒意境，画龙点睛之笔常常在最精彩的部分，但总的来说，浓淡有别、轻重缓急、自由发散与有意控制都要做到恰到好处。更具体地讲，创作写意画时，要针对某种抽象事物的刻画，就整体而言，结构中的哪一部分先画，哪一部分后画要自成规则，不做大的更改。比如鹰的画法，先勾嘴、眼，画头顶的羽毛，以花青墨调赭石、点背，以重墨画羽翼和尾，再用淡赤者墨点斑纹，最后勾爪，爪要勾得厚重，表现出锐利之势。如此三步的画鹰方法是由鹰的特征决定的，鹰的神志很重要，要有雄杀之气，主要在于嘴、眼的表现，这就决定了必须先画这些部位，用色要深厚，眼睛瞳孔的白点要留得有神，嘴中线要和眼睛相齐等等。如此，种种技法是由表现的意境而定的，但不可生搬硬套。倘若要丰富作画的技法，就要多动眼观察，动手作画，并在切身实践中寻找规律。学到种种画理画技之后，创作实践就会有理论基础，作品因而就会有强大的生命力。
确切地说，学习写意画不是一蹴而就的事，是一个过程的结体，需要经过由简到繁、由浅入深、由具体到抽象、由写实到写意的发展过程，谁违背了这个守程，谁就违反了写意画的罗辑，任何人都不能如此，尤其是初学写意画的人。
摘要：如何针对职业中专学生的特点，创造性选择、运用适当的教学方法，使学生短时间内学好工笔画和写意画，是职业中专绘画教学的重要课题。本文就此进行了论述，并着重指出，明白写意花鸟画的基本特征、要素和技巧是学好绘画技术的关键。
绘画技巧知识点总结篇3
一、油画风景写生的意义
油画的风景写生最大的优点就是发现自然美，让更多的人乐于去关注自然环境，同时也可以陶冶情操提升我们的情感意识。当我们面对广阔的大自然，我们精神总是容易在不知不觉中得以放松，绚丽的风景无时无刻不在改变我们的心情，在平时的风景写生中，画家们可以通过画面将个人情感宣泄出来，同样的一片树林，绘画时的心情不同最后展现的画风也会不同，可能是忧郁，可能是狂躁，可能是典雅可能是疲倦，不同的情感赋予画面不同的生命力，当然我们也总能从作者展现的画作中观察到个人修养的高低。油画风景写生不再只是简单的景色描绘、临摹，而是一种精神的诉求与寄托。在这个城市发展飞速、都市化进程不断加快的年代，那些对美好自然的向往与追求也变得越来越理所当然。
二、风景写生的技巧
油画风景写生就是在户外进行油画创作，他不同于传统的室内创作，人物写生，两者却也相辅相成。画家们可以通过室内绘画训练自己的构图、造型、色彩、空间等，由浅入深，并且在不断地实践中运用所学的油画技巧。油画风景写生与室内写生最大的区别在于，风景写生是一种非常刺激新鲜的创造方式，在绘画的时候充满了未知，这样的感受是室内写生远不能给我们带来的，它是一种带有个人真挚色彩的具有强烈的生活气息的审美体验。那么，如何绘画出一幅风景油画写生呢？下面笔者将对此进行逐一解析：
（一）风景欣赏
经过这段时间的风景写生锻炼，笔者认识到在油画风景写生的过程中，学会风景欣赏是非常关键的问题。会欣赏直接决定了你能否将该风景最突出的部分展现出来，当然这里我们所说的欣赏不是一般意义上的“看”，这是需要通过不断学习和锻炼之后才可能获得的一种能力，看什么和怎么看是成败的基石，大自然在每一个人眼前都是炫彩缤纷的，你如何能够注意到别人所忽略的将决定你作品的价值。著名风景油画家张冬峰就曾经表示过，绘画必须要两个以上的眼睛同时工作，利用你的兴趣创造属于你的价值，换句话说就是你为什么要进行这张画的创作？导致你下笔的原因是什么呢？如果找到了原因你又能否可以完美准确地表达出来呢？不难看出，他其实就是在强调“欣赏”。当我们面对善变的大自然，景物中的天、地、物就是最为基本的元素，我们需要通过这些元素的相互组合，找出最为突出的，包括在色相上、色彩上、色度上等，这些微妙的变化，将决定造型的统一协调性。我们绘画的虽然是眼前的景物，但是由于每个人的生活经历不同，绘画时的心情、观念不同，再加上艺术修养等成分的介入，画面不再单单是为了描绘景色，还拥有最直接的心灵沟通。
（二）色调的练习
色调练习可以增加我们的色感敏锐度，一般我们将一些纯度较弱且冷暖变化较小的色调称为灰色调，同类的颜色发生冷暖变化所形成的色彩称之为同类色调。当我们在进行色调练习的时候，可以有意的去寻找那些同类色的静物进行写生，例如对树木进行写生，认真观察不同类型的树木颜色的差别，在进行绘画中，通过不停的类似训练，就能增强我们对于色彩的敏锐度，具有良好的色彩感觉，这两点对于创造一幅优秀的风景写生是非常重要的。需要注意的一点就是，我们在进行风景写生的时候，一定要把控好时间，一次绘画太久容易对色彩感觉迟钝，天空的颜色，海水的颜色，都会在不知不觉中变得平淡无味，所以我们应当尽可能的缩小风景写生时间。
（三）画面的展现
油画材料中的油画笔与油画布它们既可以相互帮助又可能相互排斥。所以在进行画面展现的时候，我们需要了解自己的画笔和画布，随着运笔节奏来判断画布相应的弹性反应，从而将最适合的笔触效果展现出来。换句话说一幅优秀的油画风景写生作品从始至终就是一个运笔的过程。因此学会使用和发现一些与自己的感觉相适合的工具材料是非常重要的，如果我们将绘画作品看做是画家精神寄托的话，笔触就是为了这份寄托最有利的绘画语言，它为作品勾勒出了神韵，代表着这部作品的精神。
（四）画刀的使用
想要充分展现油画材料的特性，还有一项是不得不提的，那就是画刀的运用。我们应当要准确地抓住景物的特色，再运用画刀进行刻画，势必要将其特有的效果展现出来。我们在面对那些涂抹稠厚的颜色的时候，要选择一把大小适中的画刀，要当自己是雕刻家一般仔细进行刻画。最终的效果将带来出其不意的效果，色彩的边界可虚可实，也许会出现整齐的效果也许会出现变化的效果，非常令人期待。
总而言之，我们应当结合前人所留下的宝贵经验，选择自己最适合的方式，尽可能的物尽其用。当然技巧的运用也是要立足于揭示作品主体的基础上，如果你脱离了画意，那么再优秀的技巧也无法拯救你的作品。无论一个人的技巧有多么的出色，缺乏创作精神终将逝去价值。
三、试叙油画风景写生创意的重要性
初始接触油画风景的同学可能会非常的迷茫，无法确定要运用何种手段来表现自然，如何才能做到不忽视自然的存在，将大自然用最独特的方式表现在你的画卷中。正因为如此很多的同学还是会选择关在房间里，幻想着大自然的点点滴滴，然而这些被你幻想出来的场景往往都是多次被利用的，完全缺乏创意的展现。失去创意的作品，就如同人失去了自己的灵魂，完全没有存在的必要和价值，所有的油画风景画家借此来表达情感的，每个人都是独立的个体，所想要表现的都是有区别的，自然就有无穷的创意在这山水中分泌出来，这些景物既是陪衬又是主角。这些创意让油画风景写生发展得越来越快，越来越被人们所青睐和仰慕，这不是偶然而是必然存在的，是因为大自然赋予了油画这些创造的权利，给了这些创意机会，表现出他们广阔的天地。
绘画技巧知识点总结篇4
关键词:时装画服装专业教学技法
瞬息万变的服装业中服装设计处于这一行业中最受人瞩目的位置,它往往占据了服装生产环节中最重要的首席地位。时装画,是一名设计师艺术涵养和设计水准的体现。服装艺术设计作为一种古老而又年轻的艺术创作,时装画始终是一种最基本、最有效、也是最直观的表现手法。服装设计师的艺术灵感与服装质地、造型的完美结合将通过时装画反映出来。因而准确而熟练的掌握服装画表现技法在这里显的就尤为重要。
时装画教学在职业院校服装专业教学当中既是一门专业基础课,也是一门必修课,需要每个学习服装设计的学生认真掌握。但是作为教学的老师会发现,职业院校的学生绘画基础较差,这给教师的教学带来很多困难。许多学生没有绘画基础,造型能力差,理解力较弱,致使教师在授课时事倍功半,不能够达到预定的目标。针对职业大专学生的特点,再结合本人多年在时装画技法方面积累的一些经验,总结出一些教学的方法。
一、时装画技法怎么教
(一)临摹是时装画技法的敲门砖
学习时装画是一个循序渐进熟能生巧的过程,只有达到一定的量才能由量发展到质的变化,初学者不能求之过急。最简单最有效的途径必须要从临摹入手,在大量的临摹与写生过程中理解并掌握人体的变化规律,哪些是可变的,哪些是不可变的。临摹是对一个动态场景进行反复描绘后要用默画的手法重复,然后再对照原稿寻找差距,多次反复一定会有意外的收获。
在教学上,一定要遵循教学规律,采取由易到难,由简到繁,由浅入深的教学方式,先让学生练习画人体比例,多临摹直到能掌握人体的基本型,然后再画手、脚、五官等。这种教学进程上的循序渐进使学生每走一步都会有进一步的变化,既有利于他们对技巧的把握,又增添了他们对学习的兴趣,使他们的塑造形象的基本功扎实,又相应地练习了线条的使用,促进他们积累技巧,当基本知识和基本技能达到一定程度后,学生便可完整地作画了。
(二)画理是时装画入门者的实践认知
常言说学无定法,但学毕竟有法,画画更是如此,画理是在创作实践中总结出来的,它包含着反复实践、除旧变新的艰苦过程,一条画理需要理解更需要在实践中运用,若不在实践中认识画理,是很难心领神会并运用自如的,我们在教学中要特别注意这一点,所以要大量的练习绘画,对各种技法都要实践,要特别体现一个过程,既要让学生认识到新的,又要让学生敢于否定旧的,日积月累,逐渐丰富学生的艺术技能与艺术感知,如对人体各部位比例的把握,对各部位表现的认知,衣服配色的感觉,都是潜藏在练习中的画理,教师有义务和责任启发学生,帮助他们活得画理。
(三)画技是职业院校学生的立脚石
因材施教是中国传统的教学经验,它适用于各种层次教学,对职业院校尤为适用,职业院校培养人才的目标就是使他们掌握一门技术,好在社会上有立足之地,这就要求在教学生时要重基本功的训练,主要训练他们的画技,因此要找到切实可行的途径或手段,提高学生的画技,让学生在较短的时间内掌握最出色的技能,所谓“熟能生巧”,要指导学生勤于动手,加强训练,只有多练,才能具有纯熟的技巧和技能。相对于理论知识,我们更注重提高学生实践技能,但这并不是不教理论知识,仍要要适当地教授,真正的艺术人才要有娴熟的技艺,更要有高深的文化修养,但是教学上必须有的防矢,才能取得事半功倍的教学效果。
(四)风格是时装画技法的点睛
经过一些艰苦的训练后,相信同学们的时装画会有一个较大的进步,再融入其它的表现方法,如夸张、变形、简化等,时间久了就会自然形成自己的风格。没有风格的时装画是没有灵魂的,但风格的形成需要因材施教,不是一蹴而就的事情。时装画达到一定程度时,要想有新的提高就必须要加强自身修养,从文学、音乐、舞蹈、历史、雕塑、民间美术等相关艺术中去吸收养分,同时要始终保持一颗年轻的心,把握时尚,采用新材料新技术,不断总结不断进步,探索自己时装画的风格。
二、时装画技法教什么
下面我谈一下需要让每位学习时装画的学生必须要明白和掌握的知识:
(一)要让学生明白时装画的基本特征
只有了解事物的本质特征,才能把事物的本质特征表现出来,尽管时装画不是人体画,但必须学习人体结构特征,人体是大自然中注意完美、最富有变化、最和谐的形体,掌握绘制完美的人体是学习时装画的基础。现实中的人体比例大约在7头或7.5头身比例,然而时装画中的人体比例不是一般绘画艺术的人体比例,它是通过艺术的夸张,达到视觉上的审美需求,更能体现出人物的优美曲线和修长身躯。具体表现时一般躯干部位不变,而将四肢尤其是腿部比例加长,形成以腰部为中心点的上下比例变化规律。所以在绘画时要掌握事物的本质特征,否则绘画体现出来的东西是苍白无力的,尽量最大程度地概括事物的本质,这也是学习时装画重要的要求。
(二)要在学习中了解时装画的要素
不知其要领而为之的做法,不论做什么事都不会成功的,画画也是如此,在时装画的学习中,明白其要素相当重要,因为它已由最初的时装版画发展到现在的时装绘画,并且成为一个独立完整的画种-----时装画,是一个缓慢的过程。了解时装画就要了解时装画的发展脉络,从杂志插图到铜版画,从写实手法到夸张、装饰手法,是人们由对自然界的客观表现,向着对主观世界、人的情怀意向表现的发展和提高,不仅如此,时装画也注重技法的表现,强化线条在运转流动所自然体现出来的韵致,同时,还吸收了版画、水彩、水粉、油画等技法,在形象刻画上重提炼、重效果从而形成自身的特点。
(三)要培养学习时装画的技巧
时装画的技巧是不拘一格的,为了表现效果。画龙点睛之笔常常在最精彩的部分,但总的来说,时装画特别注重人物造型、姿态、角度与时装的最佳组合,强调面料质感肌理和整幅作品的表现方法与其它画种的相连性。时装画经常采用人物的变形、夸张手法,不局限于一般性的动态,是纯粹对人体与服装美的一种激情感受的表达。常常采用写实手法、夸张手法、装饰手法、简化手法、背景描绘和趣味手法等,除了上述手法之外,还经常采用姊妹艺术的某些技法和材料。如中国画中线的运用,工笔渲染方法的表现,版画中刀法的借鉴,油画技法对写实、细腻服装的再现,以及水粉、水彩、水墨、素描等表现技法都可以借鉴。这些种种技法是由表现效果而用的,不可生搬硬套,倘若要丰富作画的技法,就要多动眼观察,动手作画并且在切身实践中寻找规律,学到种种画理画技之后,创作实践就会有强大的生命力。
总的说,学习时装画不是一蹴而就的事,是一个过程的体现。需要经过由简到繁、由浅入深、由具象到抽象、由写实到写意的发展过程,谁违背了这个过程谁就违反绘画的逻辑,任何人都不能这样如此,尤其是初学者。作为一名教授时装画技法的老师,只有不但清楚教什么,还要清楚怎么教,才能带领更多的学生步入时装画的殿堂,开启服装设计的宝藏。
参考文献:
1、《服装绘画技法大全》刘晓刚、何智明著上海文化出版社
绘画技巧知识点总结篇5
电脑对于现今的人们,已经不再是什么稀罕的东西,可电脑美术,却是一个全新的事物。新课程课改后,从低段到高段的美术教学,几乎每学期的课本中都有关于电脑绘画的知识。如何能够让这新生的事物快速使学生学会并掌握,这确实是个难题。
在具体的课堂教学中,我发现,孩子还是很喜欢电脑美术课的,虽然许多孩子从来没有接触过这门学科,但他们的理解能力和接受能力却很是让我感到欣慰。
电脑美术,尤其是电脑绘画,是不同于普通意义上的绘画创作的,它不但要掌握绘画的基础知识,还要掌握电脑软件的执行技巧。可以说,电脑绘画是艺术和技术的完美结合。为了让学生能够快速掌握这门学科,我总结了几个方面的学习要点。
1.构图的重要性。一幅作品的成功,它首先要取决于好的构图思路,有了好的框架,那楼房盖起来也就漂亮了。所以,在我们新建一个画面后,应该确定构图关系,也就是说,用铅笔把需要画的地方简单地用概括的线条定位。
2.描绘具体形象。有了框架,就要开始描绘具体形象了,一般在描绘具体形象时,很多人会选用铅笔工具。其实,用什么工具不是最重要的,重要的是使用起来方便顺手。比如说,CoreIDRAW用钢笔工具就会更顺手些,我们所要注意的,是所描绘的画面是矢量还是位图就可以了,通常的绘画是在Photoshop或CoreIDRAW和Painter里来完成。为了让学生能够更好理解,我采取了先简单后难的教学方法。就是先在Windows画图板学习,而后逐渐进入到Photoshop的学习当中。
3.涂色技巧。涂色,一般都是在Photoshop或Painter里进行的,因为Photoshop和Painter都提供了强大的润色功能,可以满足我们对画面的不同要求,再加上Photoshop里的滤镜特效功能,一副美丽的画面就成功了一半了。
4.软件的交替使用技巧。绘画中,经常会遇到这样的问题,有些画面用一个软件很难完美地表现出来,这就需要我们在两个甚至三个软件里交替使用,因为电脑绘画存在技术难度。所以,我在具体的教学中,往往采取先示范后讲解的教学方法,让学生能快速进入角色。对有一定计算机基础的学生,我更多的是采取鼓励学生探究的教学方法,让学生自己找资料素材,自己思考处理技巧。
5.画面整理以及存储。画面整理主要靠放大镜来协助完成,通过放大来检查画面的瑕疵,以求得最完美的画面效果。存储一般分有损压缩存储和无损压缩存储两种,通常没有特别要求的情况下,采用JPEJ格式存储。
6.画面的意境表达。有了技术上的支持,剩下的就是关于画面意境的表达了。其实,这也是绘画的核心问题,一幅好的作品必定会有一番动人的意境在里面。想画出优美的意境,光靠计算机的多效功能是不行的,它需要我们在大自然中寻找美,在生活中感受美,多学习、多写生,提高自身的文学修养和艺术修养,只有这样,我们才能创造出意境优美,寓意感人的动人画面。
绘画技巧知识点总结篇6
【关键词】素描绘画；写实油画；艺术创作
素描作为一种悠久的历史创作艺术，考察绘画者的基本技能，如今素描成为一种独立的艺术形式。绘画者在长期的创作过程中形成对艺术的造诣，在进行专业的学习过程中，素描也是其他绘画形式的基础，只有先掌握了素描的基础和技巧，才能够获得专业的绘画知识和技巧。素描更加注重的是空间感和立体感，没有任何颜色添加，但是能够将物体或者人物的形象生动的展现在人们面前。
1素描描述
素描是绘画中的常见的艺术形式，已经成为在艺术创作中的重要形式。广义的角度来看，素描是一种颜色的绘画形式，从狭义的角度分析，素描就是学生在绘画学习中对于美术技巧与规律训练培养的过程，素描如今的形式是用单一的颜色表达情感。素描不只是绘画中的基本形式，更是主要的艺术形式。通常是进行基本功的训练来完成绘画技能的培训。在素描学习中，使用艺术表达形式对于物体结构进行分析，清清楚楚了解自然状态发展规律，选择正确的艺术形式来表达，创造出符合人们艺术审美的作品。素描培养了学生对于眼前物体进行分析和判断的能力，对于物体的观察能力和空间的想象能力，能够分析物体的组合和判断，通过素描来培养发现美，创造美的能力。提升艺术的感知能力。有着自己独特的理解对于美而言。素描主要通过找寻每个人身上的特点，再把每个人的特质放大，用艺术的形式呈现在大家眼前。
2素描在写实油画艺术创作中的作用
素描，不依附任何艺术形式而存在，具有独立的艺术形式。创作过程中没有那么复杂的形式。作为基本的艺术形式的载体，在十七世纪用来区分欧洲国家。在艺术创作过程，素描将对于人的把握和事物的观察细节融入每一个环节当中，从而创造出有生命力的作品。素描看似简单，实则考验绘画水平和能力。因为素描需要多种绘画技巧能力的综合，而写实油画在创造的过程中，能够将素描作为基本功，然后将油画创作的基本格局进行体现，写实油画中主要的追求内容就是真实，要求通过写实来呈现物体或者人物本身的真实魅力所在。写实油画基本功考察的就是素描。而深厚的素描功底需要人们进行长期大量的训练才能达成。画家在长期作画过程发现绘画的规律和方法。不断的增加画家在写实油画创作中的基本能力，能够使得画家的技术技巧运用的更加娴熟，再进行创作中激发想象能力，能够不断向人们呈现有厚重感和人文气息的作品。
2.1素描是写实油画艺术创作的基础
我国著名画家徐悲鸿对素描创作提出自己独特的见解，强调素描是绘画者的基本功，更强调素描帮助人们形成对绘画的基础性了解，是绘画中的重要组成部分，只有拥有良好的素描能力，才能够物体的认识更加全面和立体。素描能力在进行创造过程中，徐悲鸿在进行素描教育中每天让学生进行大量的素描训练，在这个过程中，绘画能力能够得到提高。素描是不仅仅是以素描形式完成。写实油画创作中，是以素描为基础的。因此在写实油画创作中不断将素描要素进行考虑，例如素描明暗、虚实关系等。素描中的关系跟绘画艺术创作中相互影响，相互存在。
2.2素描在写实油画创作的画面空间作用
人们视野中的事物是立体的，所以在进行平面中将立体的空间构建，这是艺术创作的基本形式，在空间构造的在过程中，是现代绘画中的重要形式。在初期阶段，因为观念和技巧的限制，人们对于空间立体的呈现能力较弱，素描中多种的表现形式，通过将这些应用进行写实创作。艺术性对于人物的描绘过程中，经常使用素描的空间绘画结构手法，注意运用阴影能够将人物更加立体的呈现。具有三维体系现象。同时能够利用虚实关系在塑造的时候，近大远小，对于绘画中的创作的空间立体感能够生动呈现。在进行写实油画中的，著名的绘画者能够通过空间立体呈现画面，将素描的技巧和写实油画进行结合，可以增加画面中的空间感，能够在视觉上带给人们新的感官体验。
2.3线在写实油画艺术创作中的作用
线条是绘画中的基本构成要素，在线中占据较大的比例，所占的比重较大。人们对于油画作品欣赏中，对作品有深刻的领悟能力和理解能力，在对线条的驾驭过程中，能够传递画家的精神世界和艺术表达，用最简单的线条勾勒出一个新的空间形式，在线条的转换中，能够烘托出人物之间的关系，能够传达背后的情感和态度，对周围环境的烘托也起到关键的作用，通过多样的形式构建不一样的空间轮廓，在进行构造的过程中，以线条作为分界点，在一定情况下作为作品的有力支撑点，线还可以作为背景的形式出现，这样使得整幅画面的空间立体感更强，内容更加的丰富，形式更加多样化和灵活，因此，在作品中很好的运用线条能够让整幅画面更具有别致的形式和韵味。绘画者在创造作品的时候，仅仅通过简单的几笔能将画面生动传神的展现在人们面前，但不是仅仅只是简单的绘画，更加重要的是能够把握好空间的构造。在加上线条的虚实的构造，使得图形的整体效果更加直观、主题更加贴切，人物的表达更加传神。作者的情感得到逐一层次的加深。
3总结
素描使得油画创造更加是具有艺术感染力，每一个人对绘画可能存在不同的理解，但是正由于不同的想法造就了多种形式、多种艺术风格的作品，有的作品注重线条的运用，有的注重线面的结合。但是毋庸置疑的是，掌握技巧能够使多样的形式运用更加灵活。油画写实是通过素描与色调的结合，创造出多彩的具有空间立体感的作品。
参考文献
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